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viernes, 18 de marzo de 2016

IRON MAIDEN - KILLERS (1982)




Hoy comparto con ustedes el siguiente vídeo (creado por mí para la ocasión) con una tema de la archiconocida banda británica de heavy metal 'Iron Maiden'. La canción pertenece al que, desde mi punto de vista, es el mejor álbum en la larga carrera de este grupo: 'Killers', de 1982, el segundo en la discografía de la "Dama de Hierro", en el que contaban con el gran Paul Di'Anno como vocalista (antes de la llegada de Bruce Dickinson). Para acompañar a esta tema, he seleccionado un par de secuencias de ese clásico antológico del cine de terror llamado "Un hombre lobo americano en Londres" ('An American Werewolf in London', dirigido por John Landis en 1981, un año anterior al lanzamiento del disco). Las imágenes casan perfectamente con la letra de la canción (el asesino psicópata que espera agazapado a sus víctimas en el suburbano) tanto, tanto, que parecieran haber sido rodadas ex profeso para ella. Así que ya saben, pulsen la opción para maximizar el vídeo y que disfruten pasando un poco de miedo.



IRON MAIDEN - KILLERS

Caminando por el metro, sus ojos te queman en la espalda.
Un paso más atrás, se lanza presto al ataque.
¡Suplica piedad! Se ríe mientras te ve desangrarte.
Un asesino detrás de ti, su sed de sangre desafía todas sus necesidades.

Mis víctimas inocentes son masacradas con ira y desprecio.
La farsa de la religión del odio que arde en la noche.
No tengo a nadie, estoy obligado a acabar con esta voracidad.
Una voz dentro de mí me insta a satisfacerme.

Puedo ver el valor que se supone tiene una vida,
y tú jamás sabrás cómo llegué a entreverlo.

Mi fe en esta creencia es más fuerte que los lazos familiares.
El brillo del metal señala el momento de atacar.
Surge la llamada de la muerte, un grito rompe el silencio de la noche.
¡El próximo día recuerda pasear por donde esté iluminado!

¡Te he encontrado, y ahora no hay adonde huir!
¡Me estremezco de excitación! ¡Oh, Dios mío! ¡Qué he hecho?
¡Oh sí, lo he vuelto a hacer de nuevo!

Caminando por el metro, mis ojos te perforan un agujero en la espalda.
Un paso más atrás, se lanza presto al ataque.
¡Suplica piedad! Se ríe mientras te ve desangrarte.
Un asesino detrás de ti, mi sed de sangre desafía todas mis necesidades.

¡Ten cuidado, que voy a por ti!

sábado, 27 de febrero de 2016

RETRO BACK 2016:
Crónica del Festival Internacional
de Cine Clásico de Granada


Cartel oficial de la Octava Edición del Retro Back de Granada.

Mañana Domingo 28 de Febrero se clausura la Octava Edición del RETRO BACK, el Festival Internacional de Cine Clásico de Granada. Si anteriores ediciones estuvieron dedicadas a la Nouvelle Vague Francesa, al Cine Negro o al Cine de Terror de la Hammer, la edición de este año 2016 ha estado dedicada al Cine de Ciencia-Ficción. Durante algo más de una semana (del 19 al 28 de este mes) los granadinos y granadinas hemos tenido la oportunidad de disfrutar en los cines y teatros de la ciudad de los grandes clásicos del género, en pantalla grande y en versión original subtitulada, habiéndose exhibido películas como "La Mujer en la Luna" (Fritz Lang, 1921) "Metrópolis" (Fritz Lang, 1927), "Ultimatum a la Tierra" (Robert Wise, 1951), "Planeta Prohibido" (Fred M. Wilcox, 1956, protagonista del cartel de esta edición), "La Invasión de los Ladrones de Cuerpos" (Don Siegel, 1956), "Farenheit 451" (François Truffaut, 1966), "2001: Una Odisea en el Espacio" (Stanley Kubrick, 1968), "THX 1138" (George Lucas, 1971), "Solaris" (Andrei Tarkovsky, 1972), "Cuando el Destino nos Alcance" (Richard Fleischer, 1973), "Encuentros en la Tercera Fase" (Steven Spielberg, 1977), "La Invasión de los Ultracuerpos" (Philip Kaufman, 1978, remake del film de Don Siegel), "Star Trek - La Película" (Robert Wise, 1979), "ET, el Extraterrestre" (Steven Spielberg, 1982), "La Cosa" (John Carpenter, 1982), "Starman" (John Carpenter, 1984), "1984" (Michael Radford, 1984) o "2010 - Odisea Dos" (Peter Hyams, 1984). Si alguien tiene interés en consultar la programación completa, puede acudir a la página web del Festival pinchando aquí.

Hay que destacar que este año tanto el Ayuntamiento como la ciudadanía se han volcado completamente con su Festival de Cine, que se consolida edición tras edición, habiendo sido un éxito total de público y crítica. Como ejemplo del apoyo incondicional del Consistorio al Festival, tan solo hay que echar un vistazo a la original campaña de promoción llevada a cabo, en la que los platillos volantes han invadido el centro de la ciudad y algunos de sus rincones más emblemáticos, para asombro de los transeúntes.




¡Los platillos volantes invaden Granada!
Arriba, ovni estrellado en la céntrica plaza de la Fuente de las Batallas.
Abajo, UFO aterrizado en la mismísima Plaza del Carmen, sede del Ayuntamiento.

Paralelamente a la sección oficial, uno de los ciclos del Festival ha estado dedicado a la figura de Orson Welles, del que se ha exhibido su filmografía completa. De hecho, el Festival quedó inaugurado el Jueves 18 con la emisión en la radio municipal TG7 de la mítica adaptación radiofónica en inglés de "La Guerra de los Mundos" de Wells (aquella que en 1938 provocara el pánico de muchos estadounidenses al creer que era real). Y les puedo asegurar una cosa: tener el privilegio de ver la película "El Tercer Hombre" de Carol Reed en el marco del Teatro Isabel La Católica no puede compararse con nada. Ya había visto antes el film de Welles en formato doméstico, pero verlo en pantalla grande (en el formato para el que estaba pensado) y en su idioma original es una experiencia completamente diferente.

Otro de los puntos fuertes de este año han sido las exposiciones, como la de dibujos sobre "La Guerra de las Galaxias" realizados por el artista madrileño Alfonso Azpiri. Esta muestra se ha realizado al aire libre, a lo largo de la emblemática Carrera del Genil, y ha contado con cerca de una treintena de obras expuestas (reproducciones, no originales).


Exposición al aire libre de ilustraciones de Star Wars, por Azpiri,
situada a todo lo largo de la Carrera del Genil (pulsar para agrandar).

Pero sin lugar a dudas la auténtica joya de la corona del Festival de este año ha sido la exposición "La Guerra de las Galaxias: Universo en Expansión", ubicada en la Sala Zaida de la "Fundación Caja Rural" en Puerta Real. En ella todos los visitantes (niños y mayores) han podido deleitarse con los trajes, armas y cascos ORIGINALES usados en los rodajes de las películas de la saga, así como con numeroso material de atrezzo (como el bloque de carbonita en el que quedó congelado Han Solo al final de "El Imperio Contraataca"). Una gozada que ha hecho de esta exposición el evento más visitado y comentado del Retro Back. A continuación les muestro un pequeño reportaje fotográfico de la exposición, recomendándoles que pulsen sobre las fotografías para ampliarlas. La mayoría de las fotos fueron realizadas con el móvil de mi pareja, y aún así la calidad de las mismas es más que aceptable, a pesar de los inevitables brillos de las urnas y las vitrinas. Que ustedes lo disfruten.


Sable láser de Kylo Ren (original usado en el rodaje de "El Despertar de la Fuerza" - 2015). Detalle.


Blaster de la Princesa Leia (firmado por la actriz Carrie Fisher).
Original usado en el rodaje de "La Guerra de las Galaxias" - 1977.


Blaster imperial E-11 (original usado en el rodaje de "El Imperio Contraataca" - 1980).
Arriba, visión frontal. Abajo, vista superior.


Blaster de la Guardia del Senado (original usado en el rodaje de "La Amenaza Fantasma" - 1999).
Arriba, visión frontal. Abajo, vista lateral.

Binoculares de L. Skywalker (original usado en el rodaje de "El Imperio Contraataca" - 1980).

Fruta alienígena del mercado de Mos Espa
(original usado en el rodaje de "La Amenaza Fantasma" - 1999).

Fragmentos de maqueta de la Estrella de la Muerte
(original usado en el rodaje de "La Guerra de las Galaxias" - 1977).

Copia del guión original de "La Guerra de las Galaxias" - 1977.


De arriba a abajo y de izquierda a derecha, selección de cascos originales usados en los rodajes de distintas películas de la saga: Artillero Imperial de la Estrella de la Muerte ("La guerra de las Galaxias" - 1977), soldado de infantería del Comando Rebelde de Endor ("El Retorno del Jedi" - 1983),  y diferentes cascos de Stormtroopers procedentes de "El Imperio Contraataca" (1980) y "El Despertar de la Fuerza" (2015).


Han Solo en carbonita (molde original usado en el rodaje de "El Imperio Contraataca" - 1980).

Traje de soldado de infantería del Comando Rebelde de Endor
(original usado en el rodaje de "El Retorno del Jedi" - 1983).

Traje de la Guardia Roja Imperial (original usado en el rodaje de "El Retorno del Jedi" - 1983).

Traje de Darth Vader
(original usado por el actor David Prowse en el rodaje de "La Guerra de las Galaxias" - 1977).

sábado, 24 de octubre de 2015

RICHARD CORBEN: PHANTOM OF THE PARADISE




Hoy sacamos a la palestra una pequeña rareza, el cartel original de la película "Phantom of the Paradise", dibujado por encargo nada más y nada menos que por el gran Richard Corben, el maestro americano del cómic de fantasía y terror.

"El fantasma del paraíso" es un musical de culto dirigido en 1974 por un bisoño Brian De Palma con grandes dosis de sátira, humor y psicodelia, una revisión postmoderna de los mitos de "Fausto" y "El Fantasma de la Ópera" en mitad de una década, la de los 70, muy dada a este tipo de obras experimentales (como la coetánea "The Rocky Horror Picture Show", adaptación cinematográfica del musical alternativo de Richard O'Brian y con la que este film mantiene más de un punto en común). La película cuenta con una banda sonora de auténtico ensueño, compuesta por Paul Williams (quien interpreta el papel del malvado Swan en la misma) y que desde aquí recomendamos encarecidamente. A destacar temas maravillosos como "Goodbye, Eddie, Goodbye", "Somebody Super Like You" o "The Hell of It". Williams supo mezclar sabiamente todo tipo de estilos musicales en los distintos temas (desde el rockabilly al folk, pasando por el pop, el glam, el soul o la música de cabaret) y aún así ofrecer una banda sonora homogénea, personalísima y de gran calidad. Highly recommended.


jueves, 23 de julio de 2015

JOSÉ SAZATORNIL "SAZA" (1925 - 2015)




El intérprete catalán José Sazatornil, más conocido familiarmente por sus compañeros de profesión como "Saza", fue uno de esos (mal llamados por algunos) actores secundarios de nuestra cinematografía, uno de nuestros imprescindibles. Quizás nunca protagonizase en solitario ninguna obra (y no porque le faltase talento para ello, más bien al contrario) pero a cambio fue un actor de reparto de auténtico lujo, con una enorme vis cómica natural y tremendamente querido por el público de distintas generaciones. Aunque si empezáramos a repasar su filmografía, nos daríamos cuenta que Saza ha participado en prácticamente la mayoría de las mejores películas del Cine Español de todos los tiempos: "El verdugo", "Un millón en la basura", "El astronauta", "La escopeta nacional", "La colmena", "El año de las luces", "Espérame en el cielo", "Amanece, que no es poco", "Todos a la cárcel", "Historias de la puta mili"... Enorme. Y además inspiró al personaje de "Martínez el facha" de Kim, uno de esos seriales de cómic de la revista satírica "El Jueves" que ha estado funcionando hasta prácticamente anteayer.

Desde este blog le despedimos con la famosa escena final de "Amanece, que no es poco" (1989) de José Luis Cuerda, en la que el Guardia Civil interpretado por él comenzaba a tirotear al Sol por no amanecer por donde era debido. Ocho años después del intento de golpe de estado de Tejero, nuestro país comenzaba a reírse de sí mismo, en una de las películas más geniales y surrealistas (o surruralistas) del cine mundial. Un film de culto con un gran base de fieles seguidores. Descanse en paz.


lunes, 22 de junio de 2015

KURT RUSSELL, BY CHRIS WESTON


El dibujante británico Chris Weston homenajea al actor Kurt Russell realizando esta trilogía de ilustraciones, en las que recrea los carteles de tres de los grandes clásicos del cine palomitero de los 80, todos ellos dirigidos por el maestro de la serie-BJohn Carpenter: "1997, Rescate en Nueva York" ('Escape from New York', 1981), "La Cosa, el Enigma de Otro Mundo" ('The Thing', 1982) y "Golpe en la Pequeña China" ('Big Trouble in Little China', 1986). ¡Qué recuerdos!












sábado, 20 de junio de 2015

CHRISTOPHER LEE - 'NEVER MORE'




El segundo de los artistas que ha fenecido recientemente estos días ha sido Christopher Lee, el pasado 7 de Junio, un poquito después que B. B. King. El actor británico (fallecido con 93 años) puede ser más conocido por las nuevas generaciones de fans por sus interpretaciones en las sagas fílmicas de "El Señor de los Anillos" o "La Guerra de las Galaxias", en donde encarnó respectivamente a los personajes de Saruman y el Conde Dooku, pero para todos aquellos de nosotros que ya empezamos a tener una edad Lee siempre ha sido, es y será la personificación más terrorífica del Conde Drácula de la historia del cine. El Drácula que Lee interpretaba en las viejas películas de la Hammer tenía una cualidad que ningún otro actor (incluyendo a Bela Lugosi) supo aportarle hasta entonces a la creación de Bram Stoker: era una amenaza física. Ayudado por su tremenda altura, el vampiro silencioso y con ojos inyectados en sangre de Lee transmitía al espectador la sensación de encontrarse realmente frente al mal hecho carne, un diablo primigenio y gutural cuya animalidad y sed de sangre simplemente traspasaban la pantalla. El Drácula de Lee, con perdón de la expresión, acojonaba.

Lo que no sabe todo el mundo es que Lee, en el fondo, despreciaba al personaje del conde transilvano, a pesar del éxito que le proporcionó y en el que fundamentó su carrera, puesto que lo encasilló durante muchos años dentro del género de terror (un género muy alejado de su sensibilidad, a pesar de lo que pudiera parecer) cuando su gran aspiración como actor era interpretar a los grandes clásicos del teatro universal, empezando por Shakespeare, a quien había tenido el placer de llevar a las tablas durante sus años universitarios. No siempre puede ganarse uno la vida haciendo lo que le gusta. Hombre extraordinariamente culto e instruido, el propio Lee tenía sangre azul, puesto que su madre era una condesa de origen italiano (de casta le viene al galgo). Nacido en el aristocrático barrio londinense de Belgravia, su infancia transcurrió en Suiza, en donde además de su inglés natal, aprendió a hablar con total fluidez el francés, el alemán y el italiano (de hecho Lee fue un políglota extraordinario, puesto que a lo largo de su vida llegó a aprender, además de los ya mencionados, un total de 9 idiomas, el español entre ellos). En la universidad Lee se licenciaría en latín y griego clásicos.

Pero si todo lo anteriormente mencionado no fuera suficiente, Lee era también un más que dotado cantante de ópera, al igual que su abuela, la soprano Marie Carandine. El actor rechazaría cursar estudios de canto en el conservatorio, puesto que prefirió priorizar su incipiente carrera dramática y actoral, a pesar de sus enormes cualidades como barítono. Sin embargo, el gusto por el bel canto no le abandonaría jamás a lo largo de su vida, puesto que lo practicó de forma amateur siempre que pudo.

Como sincero homenaje incluimos, al igual que en el caso de B. B. King, una ilustración de Francesco Francavilla (un artista que empieza a ganar muchos enteros dentro de mis preferencias) y un vídeo con un fragmento de la película "Umbracle" (1970) de uno de mis cineastas de vanguardia favoritos, el catalán Pere Portabella. Película experimental en un contrastadísimo blanco y negro (lo que en la década de los 70 daba en llamarse "arte y ensayo") en la escena de "Umbracle" que vamos a ver a continuación el director Portabella le pidió a Lee que improvisase durante unos minutos delante de cámara y, ni corto ni perezoso, el actor decidió romper con la imagen terrorífica que el público mayoritario de aquella época tenía de él y mostrar su verdadera cara, lanzándose a cantar diversos fragmentos de óperas en francés y alemán (unos fragmentos de "El Holandés Errante" de Richard Wagner y el aria de Mephisto de "La Condenación de Fausto", obra de Hector Berlioz) además de recitar magistral e íntegramente en inglés el poema de Edgar Allan Poe "El Cuervo". Sobrecoge escuchar en boca de Lee los versos de Poe porque, tristemente, y al igual que el mítico cuervo de la narración, él ya no se encuentra entre nosotros... "nunca más".


sábado, 14 de febrero de 2015

¡FELIZ SAN VALENTÍN 2015!




'The Library' es un cortometraje (o quizás sería más apropiado calificarlo como mediometraje, puesto que alcanza los 30 minutos de duración) de origen tailandés, escrito y dirigido en 2013 por Nattawut Poonpiriya y protagonizado por Ananda Everingham y Selina Wiesmannen. Una conmovedora (y para qué negarlo, un tanto cursi) historia de amor sobre una pareja que se conoce en una biblioteca. Normalmente no suelo traer este tipo de moñadas al blog, pero qué demonios, un día es un día... Y hoy es San Valentín. Espero que os guste y la disfrutéis... y por qué no, incluso que lleguéis a emocionaros con ella, aunque sólo sea un pelín (que todos tenemos nuestro corazoncito).

Y por cierto... esta entrada está dedicada a mi chica, Lourdes, la persona que más quiero en este mundo. Te amo, pequeña. Tú sabes por qué.



sábado, 31 de enero de 2015

AKIRA TORIYAMA - LA JUNGLA DE CRISTAL




Caricatura de Bruce Willis como John McClane, personaje protagonista del clásico del cine de acción "La Jungla de Cristal" ('Die Hard' -1988- dirigida por John McTiernan, o cómo pasar unas entrañables vacaciones de Navidad en un rascacielos de la soleada Los Ángeles) a cargo del mangaka japonés Akira Toriyama, autor de la celebérrima 'Dragon Ball'. Yippee-ki-yay, motherfuckers!


domingo, 18 de enero de 2015

FRANCESCO FRANCAVILLA, DE CINE


Una tanda de ilustraciones cinematográficas obra del dibujante italiano Francesco Francavilla. La primera de ellas, dedicada al clásico del cine de terror de Universal Pictures 'El Hombre Invisible', dirigida por James Whale (1933), basada en la novela homónima de H.G. Wells.




 


La segunda, al personaje de 'Angel Eyes', apelativo del inolvidable villano interpretado por Lee Van Cleef a ritmo de Morricone en la obra maestra del spaghetti western 'El Bueno, el Feo y el Malo' (The Good, the Bad and the Ugly) de Sergio Leone (1966).






Por último, una ilustración dedicada al 'Batman' interpretado por Michael Keaton en el film homónimo de Tim Burton (1989).




sábado, 1 de noviembre de 2014

LA ISLA MÍNIMA




Acabo de ver recientemente la película de Alberto Rodríguez, y antes de que la impresión de su visionado se enfríe en mi mente y se pierda en el océano del recuerdo, me dispongo a dejar rápidamente por escrito las primeras reflexiones que esta obra ha provocado en mí. Las siguientes líneas no conforman, por tanto, una crítica exhaustiva y pormenorizada del film (para eso ya existen páginas especializadas en la materia); antes al contrario, son sólo unos breves apuntes esbozados a vuelapluma y con premura, en caliente, en los que voy a esforzarme en no revelar nada más que lo estrictamente necesario del argumento, para que así un hipotético futuro espectador no vea apenas mermado el efecto del film sobre su persona.

Para empezar, 'La isla mínima' es una película de una sencillez engañosa, que cuenta muchas más cosas de lo que parece a simple vista. Escondida bajo la apariencia de un thriller clásico, y moviéndose siempre dentro de los parámetros del cine negro, se agazapa una de las críticas sociales más devastadoras de la España de la transición que personalmente haya tenido la posibilidad de contemplar.

Año: 1980. Pedro (Raúl Arévalo) es un policía de mentalidad progresista que resulta expedientado después de haber escrito una carta abierta de protesta en un periódico de tirada nacional criticando a un general franquista. Por entonces, la joven y todavía inestable democracia española aún conservaba la cúpula militar del antiguo régimen dentro de sus fuerzas armadas, y el poder y la influencia del ejército seguía siendo enorme en la vida civil. Como consecuencia, Pedro es degradado y trasladado a una pequeña localidad andaluza en las marismas del Guadalquivir, literalmente en el culo del mundo. Un lugar del que todo hijo de vecino pretende escapar. Junto a él, Juan (un extraordinario Javier Gutiérrez que se merienda él sólo a todos sus compañeros de reparto) un policía con un pasado... un tanto oscuro, digámoslo así. En este marco de circunstancias, ambos personajes tendrán que investigar la desaparición de dos chicas adolescentes.

Los restos del pasado dictatorial en descomposición están aún muy presentes en la vida cotidiana del pueblo: pueden contemplarse en la pensión en la que se alojan los agentes o incluso en el cuartel local de la Guardia Civil, en el que el retrato del general Franco convive con el de un joven rey Don Juan Carlos. Los aires renovadores de la democracia aún no han llegado a este rincón de la Andalucía más atávica, cuya población de jornaleros en huelga todavía se ve sometida al cacique local, un terrateniente que se niega a pagar un jornal digno a sus trabajadores. De ahí a los sucesos de Marinaleda de principios de los 80 no hay más que un paso.

En ese sentido, la escena final en la que Pedro rompe la fotografía de Juan (y quien haya visto la película sabrá a qué me refiero) supone una enorme y acertada METÁFORA sobre la transición: nunca fue ese gran pacto modélico impulsado por el espíritu de la concordia y la reconciliación nacional que la propaganda oficial nos ha tratado de vender reiteradamente. No fue más que un pacto de silencio en el que la mayor parte de la población se vio obligada a mirar para otro lado bajo coacción. Los militares accedieron a abrir la mano y permitir la democracia a cambio de impunidad para los crímenes franquistas. La transición supuso la compra de la democracia a cambio del olvido. Hemos pagado un alto precio por ella bajo la excusa de no reabrir viejas heridas, heridas que cicatrizaron en falso. Las cunetas de nuestras carreteras todavía están llenas con los cadáveres de los olvidados que esperan justicia.

'La isla mínima' es un ejemplo de lo que el buen cine es capaz de hacer: explicarnos nuestra propia historia de manera sutil, quienes fuimos y qué somos hoy día, sin moralinas ni maniqueísmos. Y lo que es más importante: respetando al espectador sin aburrirlo. Sin duda nos encontramos ante la mejor película española del año... y posiblemente de los últimos 5 años. Quizás después de verla el espectador llegue a comprender el caldo de cultivo que ha propiciado durante décadas la enorme proliferación de casos de corrupción que afloran actualmente en nuestro país.

domingo, 4 de mayo de 2014

"SPIDER-MAN, A REAL HERO?"




"Spider-Man: ¿Héroe o amenaza?". Puede que el título de este post os recuerde un poco a uno de esos titulares sensacionalistas que el bueno de J. J. Jameson acostumbra a publicar en primera página del Daily Bugle, en sus habituales campañas de difamación del lanzarredes. Pero nada más lejos de la realidad. La razón de ser de esta entrada es dar a conocer esta fabulosa ilustración, realizada por un joven diseñador gráfico -23 años- de origen húngaro llamado Miklós Felvidéki (cuyo blog 'Nick's Cartooning' os recomiendo visitar, ya que está plagado de cositas interesantes).

Por un lado, se trata de un obvio homenaje a jazzy John Romita Sr. y la portada de 'The Amazing Spider-Man' # 50 ('Spider-Man No More!', una de las cubiertas más homenajeadas por artistas de todo pelaje y condición de la historia del cómic) mientras que, por otra parte, el autor rinde tributo a la película 'Drive', dirigida por el danés Nicolas Winding Refn en 2011. 'Drive' está considerada por la crítica cinematográfica como una de las 10 mejores películas de lo que llevamos de década, y su estreno supuso todo un revulsivo para un género tan aparentemente agotado como el noir, encontrando nuevas fórmulas expresivas dentro del cine negro y creando, a su vez, todo un sub-género propio que algunos han dado en llamar neo-noir (ya sabemos lo aficionados que son los críticos a las etiquetas).

Me encanta como Miklós adapta el escorpión de la chaqueta del conductor sin nombre (protagonizado en el film por Ryan Gosling, en el que probablemente sea el papel de su vida) y lo convierte en el característico símbolo de la araña del trepamuros. Una idea aparentemente sencilla, pero cualquiera que se dedique a las artes gráficas sabe que este tipo de hallazgos son realmente difíciles de encontrar. Además, la canción principal de la banda sonora de la película ('A Real Hero', compuesta por el francés David Grellier, alma máter de College) le va como anillo al dedo al personaje de Spider-Man. Un temazo de música electrónica cuya letra parece pensada ex-profeso para Peter Parker.




COLLEGE & ELECTRIC YOUTH:
A REAL HERO (2011)

Real human being
and a real hero.

Back against the wall and odds,
with the strength of a will and a cause.
Your pursuits are called outstanding.
You're emotionally complex.

Against the grain of dystopic claims,
not the thoughts your actions entertain
and you have proved to be...

...A real human being and a real hero.
Real human being and a real hero.
Real human being.

A pilot on a cold, cold morn.
One hundred fifty five people on board.
All safe and all rescued
from the slowly sinking ship.

Water warmer than his head so cool,
in that tight bind knew what to do,
and you have proved to be...

...A real human being and a real hero.
Real human being and a real hero.
Real human being.

jueves, 17 de abril de 2014

X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST (2014)




Trailer definitivo de 'X-Men: Días del Futuro Pasado', la película que devuelve al director Bryan Singer a la franquicia mutante. Estreno el 23 de Mayo.


martes, 4 de marzo de 2014

HIROSHIMA, MON AMOUR (1959)




Ayer falleció en París el director francés Alain Resnais (1922-2014) a la edad de 91 años. Han querido los hados que la funesta noticia de su deceso haya coincidido en el tiempo con la Ceremonia de entrega de los Oscars de la Academia, esa feria de las vanidades que se organiza todos los años al otro lado del Atlántico, por lo que la repercusión de su muerte se ha visto tristemente ensombrecida en los medios de comunicación generalistas por las noticias relacionadas con el palmarés de dichos premios. Como quiera que Resnais ha sido uno de los directores fundamentales del cine europeo, no quisiera dejar pasar la ocasión sin hacer un análisis crítico en profundidad de la que sin duda es la gran obra maestra de su filmografía.

'Hiroshima, mon amour', la ópera prima de Resnais, es probablemente una de las películas más bellas de la Historia del Cine. Uno de esos films que, si me viese obligado a escoger personalmente tan sólo 10 películas para salvarlas de las llamas de un holocausto nuclear, estaría sin duda entre mis elegidas, puesto que es una de mis favoritas de siempre.

Basada en un guión de la prestigiosa escritora Marguerite Duras (madrina del movimiento literario conocido como 'nouveau roman') y con una maravillosa fotografía en blanco y negro a cargo del maestro Sacha Vierny, la película de Resnais se convirtió de inmediato en un film-manifiesto, dando en 1959 el pistoletazo de salida (junto a 'Los 400 Golpes' de François Truffaut) al movimiento que por entonces dio en llamarse como 'nouvelle vague'. Si bien Resnais nunca llegó a formar parte plenamente de aquel grupo de jóvenes cineastas que integraron la nueva ola del cine francés (como el mencionado Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Louis Malle o Jacques Rivette, todos ellos enfants terribles escapados de la sección de crítica cinematográfica de la mítica revista 'Cahiers du Cinéma') su film resultó tan vanguardista, experimental e innovador que en aquellos años propició el surgimiento de los nuevos cines en todo el mundo durante la bulliciosa década de los 60.

'Hiroshima, mon amour' narra la historia de un amor imposible, un amor de 24 horas, el de una actriz francesa (Emmanuèle Riva, en el personaje de 'Ella') y un arquitecto japonés (Eiji Okada, en el papel de 'Él'). Tras finalizar la filmación de una película en Hiroshima centrada en los estragos provocados por la radiación atómica sobre su población civil (15 años después del lanzamiento de las bombas nucleares sobre Japón durante la Segunda Guerra Mundial) la actriz entabla un affaire amoroso con un arquitecto japonés durante la última noche de estancia del equipo de rodaje en un hotel en tierras niponas. Ambos son dos completos desconocidos, y lo que en un principio parece un simple escarceo, una breve aventura sexual, empieza a complicarse cuando ella comienza a recordar una historia de amor sucedida en Francia 15 años antes, durante la ocupación militar alemana, en un pequeño pueblo rural llamado Nevers. Allí, siendo adolescente, había vivido un intenso romance con un joven soldado alemán del ejército nazi que resultaba muerto tras la liberación, mientras que ella sufría posteriormente la represión de sus propios vecinos, acusada de colaboracionismo. El problema es que el arquitecto japonés le recuerda poderosamente a aquel soldado, su primer y único amor. La película se convierte entonces en una larga conversación por las calles de la ciudad entre los dos amantes en la que ella, en un ejercicio de introspección, se entrega completamente a él, confesándole sus sentimientos más íntimos y los secretos de su pasado. La identidad y personalidad del soldado alemán se terminan yuxtaponiendo sobre la del arquitecto japonés en la mente de la actriz.

La película sostiene íntegramente sus 90 minutos de metraje en la soberbia interpretación de sus dos actores principales (completamente mimetizados con sus personajes, interiorizando el discurso de Resnais) y en los magníficos diálogos escritos por Marguerite Duras, auténtica prosa poética basada en la aliteración y en la repetición rítmica de ciertos patrones de sonido en determinadas palabras. En ese sentido, 'Hiroshima' resulta una película tremendamente literaria, cuyo visionado debe hacerse obligatoriamente en versión original, para poder degustar como es debido el delicioso declamado en francés de sus textos.

'Hiroshima' también resultó innovadora por su acertada mezcla de cine documental y ficción. Las imágenes que abren el film son completamente reales, filmadas por el ejército nipón en improvisados hospitales de campaña apenas unos días después del lanzamiento de la bomba atómica sobre Hiroshima, para documentar los daños producidos sobre la población superviviente. Encoge el corazón ver esas grabaciones, las heridas y el sufrimiento de los hombres, mujeres y niños que tuvieron la desgracia de sobrevivir al fuego nuclear: cuerpos retorcidos en quemaduras increíbles, mujeres que comenzaban a perder el cabello por la radiación, ancianos con miembros amputados (incluso, no lo olvidaré nunca, una niña a la que le faltaba la mandíbula)... Unas imágenes completamente desgarradoras, acompañadas por la voz en off de Emmanuèle Riva. Un alegato en contra del olvido de aquella masacre y un llamamiento, 15 años después del suceso, para que una barbarie similar no vuelva a repetirse jamás en ningún lugar del planeta.

Pero si por alguna razón resultó rupturista y revolucionaria esta película fue sin duda por su atrevido montaje. 'Hiroshima' fue el primer film en la historia de la cinematografía en no respetar la narración lineal, sino que Resnais hizo un uso tremendamente innovador para la época de breves secuencias de flashback intercaladas entre las secuencias principales, para sugerir la idea de que dichos flashbacks eran fragmentos de recuerdos evocados fugazmente por sus protagonistas. Puede que el espectador actual no alcance a apreciarlo, puesto que este recurso ha sido utilizado miles de veces en cientos de películas desde entonces, pero en 1959 los saltos hacia delante y hacia atrás en el tiempo eran algo que nunca antes se había visto. En ese sentido, esta película hizo avanzar el lenguaje cinematográfico a pasos agigantados, de la misma manera que Orson Welles lo hiciera en 1941 con 'Ciudadano Kane'. Tanto es así que el crítico americano Leonard Martin llegó a comparar las aportaciones realizadas por esta película con las de 'El Nacimiento de una Nación' de Griffith. El cineasta Eric Rohmer afirmó en su momento lo siguiente: 'Creo que en pocos años, quizás diez, veinte o treinta años, nos daremos cuenta que Hiroshima, mon amour ha sido la película más importante desde la Segunda Guerra Mundial, la primera película moderna del cine sonoro'.

Aunque, más allá de los numerosos hallazgos formales que puedan encontrarse entre los fotogramas de esta cinta, la película sobresale y es recordada por el público por ser un auténtico poema visual. Puro cine poético, de un lirismo apasionado y arrebatador. La mayoría de obras 'vanguardistas' (que no de vanguardia) no le llegan a esta ni a la suela de los zapatos, ya que sus autores no saben escribir con imágenes. Sólo buscan un falso rupturismo, la provocación por la provocación, sin entender la sutilidad de las metáforas empleadas por Resnais en este film. La historia de 'Hiroshima' no puede ser más romántica, ni más triste, ni más desoladora. Es fácil para el espectador que haya estado alguna vez enamorado llegar a identificarse con la pareja protagonista o incluso emocionarse hasta el llanto en determinados pasajes de la película. En el fondo, el argumento propuesto por Resnais no es más que una profunda reflexión filosófica sobre el olvido, la naturaleza del amor y el concepto de identidad individual, llegando a la conclusión de que los seres humanos no nos enamoramos de las personas, sino de la idea que nos hacemos de las personas. Y cuando dicha idea se impone sobre algo tan abstracto como el conjunto de vivencias y características personales que denominamos 'identidad', puede llegar a suceder lo que al personaje de Riva: que nunca llega a enamorarse realmente del arquitecto japonés, puesto que no lo ve a él, sino al soldado alemán que una vez conoció y amó, cuya imagen evoca.

'Hiroshima, mon amour' ganó el Premio Internacional de la Crítica del Festival de Cannes de 1959. No pudo optar a ganar la Palma de Oro al no participar dentro de la selección oficial por el veto de la dirección del festival, debido al tema tan delicado que la película trataba (el bombardeo norteamericano de Hiroshima y Nagasaki). La organización tomó esta polémica decisión para evitar quejas formales por parte del gobierno estadounidense, en un momento histórico en que la Guerra Fría se encontraba en pleno apogeo.

Alain Resnais rodaría otras grandes producciones a lo largo de su carrera, como 'El año pasado en Marienbad' (L'Année dernière à Marienbad, 1961) o el musical 'On connaît la chanson' (1997), pero ninguna, a mi entender, tan buena como esta película en la que debutó en el mundo del largometraje. Una obra que todo el mundo debería ver al menos una vez en la vida. CINE en mayúsculas.

Descanse en paz.


miércoles, 29 de enero de 2014

'ESCALOFRIANTE' BERNIE WRIGHTSON:
EL CICLO DEL HOMBRE LOBO



'El Ciclo del Hombre Lobo' (Cycle of the Werewolf) fue una noveleta -o novela corta- de terror escrita en 1983 por Stephen King centrada en el tema de la licantropía. Integrada por 12 capítulos o episodios individuales que seguían el calendario lunar (cada historia estaba pues ambientada en uno de los 12 meses del año) en ella King nos narraba el relato de la llegada de un hombre lobo a una pequeña y tranquila localidad de MaineEstados Unidos, llamada Taker's Mills, y la consiguiente oleada de crímenes cada vez que aparecía la luna llena en su cielo nocturno. A medida que avanzaba el año y los asesinatos se sucedían todos los habitantes de Taker's Mills comenzaban a sospechar de su vecinos, pero King consigue que la identidad del hombre lobo permanezca siendo una incógnita prácticamente hasta el último tercio del libro.

La novela, siendo sinceros y sin perdernos en demasiados rodeos, es mala. Bastante mala desde el punto de vista literario, sólo recomendada de hecho para fans acérrimos de Stephen King (y eso que la campaña publicitaria la vendía como 'la mejor novela de terror desde Edgar Allan Poe') todo lo cual no impidió que inmediatamente se convirtiera en un auténtico best seller a nivel mundial (por otro lado, como prácticamente todo lo que escribe este señor). ¿Cuál es el motivo, por tanto, de que le dediquemos esta entrada? Pues que la novela fue publicada originalmente con ilustraciones (en blanco y negro y color) del gran Bernie Wrightson, el auténtico maestro del terror. Y la verdad es que son unas ilustraciones tan buenas que merece la pena hacerse con el tomo sólo por ellas. De hecho, en 1991 yo fui de los que se compraron el libro única y exclusivamente por esta razón, no me avergüenza reconocerlo. La tercera edición de Planeta de la novela, de Septiembre de 1990, con traducción de Joaquín María Adsuar Ortega, cuya portada tenéis escaneada más arriba (la primera edición data de Enero de 1986). Todavía la guardo como oro en paño.

A continuación tenéis reproducidas en su integridad las 12 ilustraciones a color que Wrightson realizó para la edición de 1983. No ha sido posible incluir las 12 ilustraciones en blanco y negro del libro, puesto que al tratarse de dobles splash pages, no he podido escanearlas sin que se perdiera gran parte de la imagen en el centro. Para poder escanearlas de forma correcta, hubiera sido necesario cortar las páginas de la novela, algo que comprenderéis no esté dispuesto a hacer un bibliófilo como yo, simplemente por el valor sentimental que la obra tiene para mí.

Muchas de estas ilustraciones son realmente sobrecogedoras. En su momento algunos detalles de determinadas láminas me causaron un impacto especial, como la correspondiente a Agosto, cuando el hombre lobo desgarra la cara del policía en el interior de su coche y la dentadura del oficial asoma por debajo de los jirones de su rostro. O la cabeza del cerdo empalada en un poste en la masacre de la granja de la ilustración de Septiembre, en la que pueden apreciarse incluso las vértebras y las arterias seccionadas. O el hocico humeante y sanguinolento del hombre lobo devorando la cara del camionero del mes de Noviembre, mientras la sangre resbala lentamente por el parabrisas. O finalmente, los restos de mandíbula que salen despedidos por el aire cuando Marty, el chico paralítico, dispara al hombre lobo a quemarropa con una bala de plata en la plancha de Diciembre. Realmente escalofriante.


ENERO


FEBRERO


MARZO


ABRIL


MAYO


JUNIO


JULIO


AGOSTO


SEPTIEMBRE


OCTUBRE


NOVIEMBRE


DICIEMBRE

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En 1985, justo dos años después de la publicación del libro, se estrenó la correspondiente adaptación al cine de la novela (¿hay alguna obra de Stephen King que no haya sido llevada a la gran pantalla?). Dirigida por Daniel Attias y con un guión adaptado obra del propio King, el largometraje, bautizado como 'Miedo Azul' ('Silver Bullet') resulta un divertimento más que digno. Sin ser ninguna obra maestra ni tan siquiera pretenderlo, la película demuestra estar en todo momento muy por encima del material literario en que se inspira. Los efectos especiales y todos las criaturas del film (básicamente hombres lobo) fueron creados por el veterano maestro italiano Carlo Rambaldi, lo cual le otorga a la cinta un encanto realmente especial. 'Miedo Azul' es uno de esos pequeños clásicos de culto del cine de terror de los años 80.



MIEDO AZUL
Título original: 'Silver Bullet'.
Año: 1985 (Estados Unidos). Terror.
Director: Daniel Attias.
Guión: Stephen King (basado en su propia novela).
Intérpretes: Gary Busey, Everett McGill, Corey Ham...
Duración: 95 minutos aprox.
Efectos especiales creados por Carlo Rambaldi.
Una produccción Dino De Laurentiis para Paramount Pictures.