domingo, 30 de septiembre de 2012

CHRIS CUNNINGHAM, O EL VIDEOCLIP
COMO UNA DE LAS BELLAS ARTES




Aquí os dejo un par de videoclips más dirigidos por Chris Cunningham, para que veáis de lo que es capaz este monstruo de la imagen.

El primero de ellos pertenece al grupo de música electrónica 'Aphex Twin'. Es el tema titulado 'Come to Daddy', del álbum del mismo título de 1997. Una pesadilla hecha imágenes, inspirada en la estética de las obras de Clive Barker.




El segundo pertenece al grupo 'Leftfield'. Es el tema titulado 'Africa Shox, Africa Bambaataa', del álbum 'Rhythm and Stealth' (1999). En este caso, Cunningham se dedica a denunciar a ritmo de música electrónica la marginación y explotación de los inmigrantes africanos en nuestras sociedades occidentales.





Curiosamente, los dos videoclips empiezan de la misma manera, con una imagen en contrapicado de un bloque de edificios, como para remarcar la pequeñez del ser humano frente a las megaurbes que lo alienan. Este es el nuevo arte gótico del siglo XXI.

ALL IS FULL OF MUCHA




Ilustración de Dave Gaskin del año 2006 homenajeando la canción 'All Is Full of Love' de Björk y la  figura del pintor checo Alphonse Mucha (1860-1939), maestro del art nouveau.

ALL IS FULL OF LOVE







Fantástico videoclip de la cantante islandesa Björk, perteneciente a su álbum 'Homogenic' (1997). El video fue dirigido por el genio de la imagen Chris Cunningham, posiblemente el más afamado videoartista del momento, y cuenta una preciosa historia de amor entre dos seres artificiales. Cuesta creer que este vídeo, dirigido en 1999, tenga ya 13 años a la espalda, porque es de una calidad técnica impecable. Incluso visto hoy en día.

Poesía y cibernética, una mezcla... ¿imposible?


viernes, 28 de septiembre de 2012

WHAT CAN ONE MAN DO ?



En estos tiempos de recortes de derechos sociales, de agitación institucional, de manifestaciones y cargas policiales en las calles, considero oportuno recordar aquí la etapa de Dennis O’Neil y Neal Adams al frente de la serie ‘Green Lantern / Green Arrow’, una de esas etapas que con el tiempo han adquirido la categoría de míticas y que fueron fundamentales para que el cómic de superhéroes alcanzase la mayoría de edad como género.

Como muchos de ustedes sabrán, la serie de Green Lantern no pasaba por su mejor momento a principios de los años 70. Sus ventas eran tan bajas que su presencia en los kioscos norteamericanos peligraba. Al borde de la cancelación, el editor Julius Schwartz  decidió dejar la serie a partir de su número 76 (Abril de 1970) en manos de O’Neil & Adams, la por entonces joven pareja de creadores que estaba revolucionando por aquellas fechas los cómics de Batman en la propia DC.

La primera decisión que tomó O’Neil fue hacer que el protagonismo de Hal Jordan no fuese exclusivo, sino compartido con Oliver Queen, el otro gran héroe ataviado de verde de la editorial (y cuyo aspecto acababa de ser rediseñado poco tiempo antes por el propio Adams en ‘The Brave and the Bold’). La serie cambió su título de ‘Green Lantern’ a secas por el de ‘Green Lantern / Green Arrow’, puesto que a partir de entonces narraría las aventuras compartidas del dúo esmeralda.

El otro gran cambio que introdujo el guionista fue el propio enfoque de las aventuras. Por primera vez en el mundo del cómic de superhéroes las historias tendrían un trasfondo de DENUNCIA SOCIAL. Y dicha denuncia quedaba muchas veces puesta de manifiesto debido al fuerte contraste de personalidad y mentalidad política de los dos protagonistas, una personificación de la fractura social que dividía al pueblo norteamericano: el conservador Jordan y el progresista Oliver Queen. A la historia del medio han pasado aquellas viñetas en que Green Arrow recriminaba a Hal Jordan por ser un mero títere del poder (a fin de cuentas, Green Lantern siempre ha sido una especie de ‘policía espacial’, y por lo tanto un defensor y un representante del stablishment, mientras que Ollie se caracterizaba por ser un personaje de mentalidad libertaria) al mismo tiempo que evocaba las figuras de los asesinados Martin Luther King y Robert Kennedy como síntoma inequívoco del ‘cáncer moral’ que asolaba América.


- GREEN ARROW: ‘¿Y te consideras un héroe? Amigo… ¡ni siquiera eres un hombre! No eres más que una marioneta… ¡Y los Guardianes manejan tus hilos! Oye… ¡olvídate de recorrer la galaxia…! Y acuérdate de América… es un buen país… hermoso… fértil… ¡Y terriblemente enfermo! Hay niños muriéndose… buenas personas aterrorizadas… chicos desencantados que destrozan los campus… En las calles de Memphis, un buen hombre negro murió… y, en Los Ángeles, un buen hombre blanco cayó… ¡Algo va mal! ¡Algo nos está matando a todos… ! ¡Una especie de cáncer moral corrompe nuestras almas!


O aquellas otras en que un anciano hombre negro acusaba a un avergonzado Green Lantern de no preocuparse por los problemas ni los derechos de la gente de color.


- ANCIANO: ‘He leído mucho acerca de usted… que trabaja para los de piel azul… y que en un planeta, no sé dónde, ayudó a los de piel naranja… ¡Y que ha hecho mucho por los de piel púrpura! ¡Pero hay pieles de las que nunca se ha preocupado…! ¡Las negras! Y quiero saber… por qué. ¡Respóndame a eso, señor Green Lantern!

- GREEN LANTERN: ‘Yo… no puedo…’


A pesar de las excelentes críticas que recibió, y de que la serie tuvo mucho eco por su enfoque social en medios de comunicación generalistas (radio, prensa, televisión), la serie estaba herida de muerte, y O’Neil y Adams no pudieron remontar las ventas a tiempo, por lo que su excelente etapa tan sólo duró 13 números, siendo cancelada en el # 89 (Mayo de 1972). Pero eso no impidió que ambos dejaran lo mejor de sí mismos en aquellas páginas, ni para que en aquellos 13 números denunciaran cuestiones como la especulación inmobiliaria, el desalojo de la población empobrecida de sus viviendas, el caciquismo de algunas zonas de la América profunda, las huelgas de trabajadores y mineros en busca de mejoras salariales y laborales, el racismo, la intolerancia religiosa, la degradación del medio ambiente, la contaminación, la problemática de la superpoblación mundial, la explotación del hombre por el hombre, el maltrato a las mujeres, la corrupción de la política y la justicia, la brutalidad policial, la falta de derechos de la población negra o el delicado tema de la drogadicción de amplios sectores de la juventud, quizá el tema más famoso de cuantos trataron, en los números 85-86, con polémicas escenas por su crudeza de muerte por sobredosis de heroína (casi de cómic underground), y páginas en que se mostraba de manera explícita los efectos del síndrome de abstinencia (unido al hecho de que el personaje que los sufriera fuese un héroe, Speedy, discípulo de Green Arrow, cosa insólita hasta entonces). Años antes de que Marvel nos mostrase a Tony Stark como un alcohólico (en la saga ‘Iron Man: El Demonio en la Botella’), O’Neil y Adams nos enseñaban que no existen los héroes perfectos, sino con debilidades muy humanas.



Las 'psicodélicas' páginas de la muerte por sobredosis de un yonqui:


Los efectos del mono en Speedy:



Mi historia favorita de esta etapa es la titulada ‘¿Qué puede hacer un hombre?’ (What can one man do?). Es una historia corta (12 páginas mas un epílogo) que sirvió de complemento de la historia principal publicada en ‘Green Lantern / Green Arrow’ # 87. En esta ocasión el guión no estaba escrito por O’Neil, sino que corrió a cargo de Elliot Maggin. En ella se nos cuenta la experiencia de Oliver Queen, atrapado en medio de una manifestación que degenera en disturbios con la policía en la que la población negra reclamaba sus derechos (algo muy corriente en aquellos primeros años 70), cuando una bala perdida de los agentes de la ley impacta en el cuerpo de un niño. Arrow se ve impotente para detener aquella locura y salvar la vida del pequeño, lo que le lleva a cuestionarse su papel como héroe entre sentimientos de rabia, frustración y amargura. Inolvidable la viñeta final con las lágrimas de Ollie.

La miseria, sabiamente reflejada por Adams en los cubos de basura.





Fijaos en el arte de Neal Adams (en la cumbre de su carrera en el momento en que dibujó esto) muy bien asistido por las tintas del gran Dick Giordano, y en cómo no necesita para nada los textos de apoyo para que la narración fluya y nos cuente la historia. Consciente de eso, el guionista optó por acompañar las viñetas de las páginas finales con un hermoso texto extraído de la obra ‘Adiós a las Armas’ de Ernest Hemingway:

‘Cuando los individuos se enfrentan con el mundo con tanto valor, el mundo sólo los puede doblegar matándolos y, naturalmente, los mata. El mundo quiebra a los individuos, y a la mayoría se les forma cal en el lugar de la fractura, pero a los que no quieren dejarse doblegar, entonces a estos el mundo los mata; a los muy buenos, a los muy dulces y a los muy valientes, indistintamente.’

Bellísimo final para esta pequeña obra maestra.

Vistos con la perspectiva que da el tiempo, más de 40 años después de su primera publicación, tal vez estos cómics nos pudieron dar la impresión de ser un tanto ingenuos, acostumbrados al cinismo y el descreimiento actuales. Pero para mí, estos tebeos tienen tanta validez hoy como en el momento en que fueron creados. O quizá más.

Pero si alguna vez te has preguntado: ‘¿Qué podría hacer yo? ¿Qué puede hacer un solo hombre por mejorar el mundo?’ Entonces no lo dudes: si no puedes deshacer los males de la sociedad, al menos preocúpate en denunciarlos, en la medida de tus posibilidades. Como O’Neil y Adams.

miércoles, 26 de septiembre de 2012

ANTIDISTURBIOS ESPAÑOLES:
LAS IMÁGENES VALEN MÁS QUE MIL PALABRAS


Aquí podemos observar a un típico ejemplar de la subespecie denominada
'Agente Antidisturbios Español', arreglándose horas antes de acudir a la cita
con el pueblo, para unirse a 'la fiesta de la democracia', en la manifestación
en que la gente podrá expresarse libremente y sin coacciones.

- ¡Corred por vuestras vidas, malditos perroflautas! Let's rock!

- ¡Se va a enterar esa chusma izquierdosa!

Claro que en la realidad, la actuación de la policía no es tan desproporcionada. Es bastante peor:

Foto de Andrea Comas (Reuters).

Y no olvidéis pasaros por estos blogs, ES MUY DE CÓMIC (de Pepo Pérez) y EL LECTOR IMPACIENTE, que también tienen cosas muy interesantes que decir.

lunes, 24 de septiembre de 2012

CUESTIÓN DE PELOTAS


‘Occupy Comics’ es una publicación de aparición irregular que nació recientemente en los EE.UU. bajo el amparo del movimiento social llamado ‘Occupy Wall Street’, que precisamente en este mes de Septiembre cumple su primer aniversario. Este magazine, que empezó como proyecto en el portal Kickstarter, se gestó como una publicación sin ánimo de lucro que sirviera para reflejar de manera artística el ideario político, social y económico del movimiento, es decir, una manera de encauzar de manera sinérgica toda la energía que impulsó a la gente a lanzarse a protestar a las calles y a ocupar los campus de las principales universidades norteamericanas. Dentro de muchos años, cuando nadie recuerde el por qué de todo esto, estos cómics serán el legado que encapsule las coordinadas de un tiempo y un lugar concretos para las próximas generaciones.

Portada de Occupy Comics # 1: 'No son
los rebeldes quienes originan los problemas
del mundo, sino los problemas los que originan
a los rebeldes'
- Carl Oglesby.

Ni que decir tiene que lo recaudado con esta publicación se destina a diferentes obras sociales, y que ‘Occupy Comics’ ha recibido la colaboración desinteresada (ya sea a través de textos, ilustraciones o historietas cortas) de gente tan ilustre como Mike Allred, Steve Niles, Jimmy Palmiotti, Art Spiegelman, Joshua Dysart, J.M. DeMatteis, Ben Templesmith, Amanda Palmer, David Mack, Marc Andreyko, Joshua Hale Fialkov, B. Clay Moore, Darick Robertson o el mismísimo Alan Moore. Y no, no esperéis ver de ninguna manera el nombre de Frank Miller sumado al de los artistas anteriores.


Pues bien, con motivo de la aparición del segundo número de ‘Occupy Comics’ este Septiembre, se ha levantado en los Estados Unidos una enorme polémica debido a la portada realizada por David Lloyd (autor junto al propio Moore del célebre cómic ‘V de Vendetta’). En ella puede verse a V, protagonista de dicho cómic, toreando con su capa a un toro enorme. ¿Cuál es el problema, entonces? Por lo visto, el autor no se ha cortado un pelo a la hora de dibujar los atributos del animal, de un tamaño más que generoso, y cuyo saco escrotal tiene un lugar preponderante en el primer plano de la portada. Y conociendo la mentalidad puritana y conservadora del americano medio, ha bastado algo tan nimio para que se arme la marimorena, y que numerosas organizaciones hayan tachado la portada de obscena, de mal gusto y poco menos que ‘pornográfica’. Ya se sabe, el norteamericano medio es ese espécimen de ser humano que se escandaliza porque en una portada se dibujen los testículos de un animal pero que ni siquiera se inmuta al conocer que en su propio país hay más de 46 millones de pobres de solemnidad (sobre un total de 300 millones de habitantes). Homeless, que dicen ellos. Tantos como toda la población española. 1 de cada 6 norteamericanos vive en la miseria más absoluta. La obscenidad no es un concepto que se encuentre en las cosas de manera inherente, sino que reside más bien en los ojos de quien mira.

Pero, ¿cual es el significado oculto, la metáfora que se esconde tras esta portada de Lloyd?

Muy sencillo, el toro de la portada representa a la escultura del artista italoamericano Arturo Di Modica, llamada ‘The Charging Bull’ (‘El Toro que Embiste’). Esta enorme escultura realizada en bronce está ubicada al aire libre en la ciudad de Nueva York, en el Bajo Manhattan, a la salida del parque Bowling Green, en las inmediaciones de Wall Street, en pleno distrito financiero. Es por eso que popularmente es conocida como ‘el toro de Wall Street’.


El concepto de la escultura se le ocurrió a su autor tras el famoso Lunes Negro de la bolsa de Wall Street el 19 de Octubre de 1987, en el que en el parquet neoyorquino se llegaron a perder miles de millones de dólares, en una jornada tan desastrosa como no se recordaba otra igual desde el histórico crack bursátil de 1929. Sin embargo, pocas jornadas después de tan enorme caída, la bolsa vivió unas fechas de ganancias y de tendencia alcista tan importante como lo había sido el derrumbe previo, con lo que la situación quedó compensada y equilibrada en cierta manera. El dinero, como la energía, no se había perdido, simplemente había cambiado de manos.

Tras este Lunes Negro, Di Modica se decidió a realizar una escultura que simbolizara la fortaleza del sistema capitalista occidental y su capacidad de recuperación, un símbolo de la prosperidad económica y la agresividad financiera de Wall Street. Para ello el artista diseñó esta obra, que captura en un instante congelado en el tiempo la tensión dinámica de un enorme toro embistiendo con ferocidad. La escultura se instaló en su actual ubicación el 15 de Diciembre de 1989. Con el tiempo se ha convertido en uno de los símbolos de la ciudad de Nueva York, tan popular para turistas y los propios neoyorquinos como la mismísima Estatua de la Libertad, y no resulta extraño encontrarse al toro rodeado de gente haciéndose fotos con él de camino a visitar Wall Street.

La portada pues, escenifica el enfrentamiento entre dos símbolos: por un lado el antihéroe anarquista por excelencia, y por el otro el símbolo actual del capitalismo norteamericano.

Lo que ignoran aquellos que se han quejado de la portada de Lloyd es que el artista reproduce los atributos del toro tal cual lucen en la escultura, sin agrandarlos ni exagerarlos en ningún momento. De hecho, una de las tradiciones de los brokers que trabajan en la bolsa es frotar los testículos de la estatua todas las mañanas para que les dé suerte durante su jornada en Wall Street, superstición que se ha extendido también a los turistas, como se ve reflejado en la foto de más abajo (y fijaos en qué parte de la anatomía del toro se encuentra el bronce más desgastado).


De hecho, no resulta extraño ver a muchos brokers del distrito financiero celebrar sus ganancias al cierre de una jornada especialmente rentable en la estatua de Di Modica.

'Mírame, mamá, aquí estoy celebrando que he ganado
mi primer millón de dólares'.

A la vista de las imágenes, no he podido evitar que me viniera a la mente la escena final de la película ‘Los 10 Mandamientos’ de DeMille, aquella en que el pueblo de Israel se construye un Becerro de Oro al que adorar antes de que Moisés arroje las recién adquiridas ‘Tablas de la Ley’ sobre él. ‘The Charging Bull’ es el nuevo ídolo pagano para cientos de brokers y accionistas de bolsa que saltan y bailan desesperadamente a su alrededor, gente que no dudaría ni un solo instante en vender a sus madres, permitir que violen a sus mujeres o sacrificar a sus hijos al nuevo Dios del Capital con tal de tener la oportunidad de amasar otro millón de dólares más. Tal es su avaricia.



Es por eso que durante las manifestaciones del movimiento ‘Ocuppy Wall Street’ del año pasado, la policía neoyorquina tuvo que vallar y custodiar la obra de Di Modica, para salvaguardarla de las iras de los allí congregados, conscientes del valor simbólico que tiene esta escultura. No eran pocas las pancartas de manifestantes que pedían acabar con el neoliberalismo y ‘castrar al toro’  de manera simbólica.



Manifestante con la pancarta 'castrad al toro'.

Porque los símbolos tienen una fuerza extraordinaria, mayor de lo que mucha gente sospecha. Y esto nos conduce sin solución de continuidad a la noticia que ha saltado recientemente a los medios nacionales de comunicación: a uno de los leones del Congreso le faltan los testículos.


Los leones situados a la entrada del Congreso de los Diputados, conocidos popularmente como Daóiz y Velarde en honor a los dos capitanes que dirigieron el levantamiento del pueblo de Madrid el 2 de Mayo de 1808 contra el invasor francés, son el símbolo de la soberanía nacional del Estado español. Tras el descubrimiento por parte del canal de televisión Historia de la falta de atributos de una de las esculturas, el propio canal elevó una petición oficial al Congreso en la que se ofrecía a restaurar la estatua, corriendo de motu proprio con los gastos derivados de dicha restauración.



Más allá de la simpática anécdota, la situación no deja de ser una metáfora de la situación actual de nuestra democracia: una democracia impotente, castrada y periclitada. Es una democracia nominal, pero no de facto, con un gobierno tan eunuco como el león del Congreso. Necesitamos reformar de arriba a abajo nuestro actual modelo de democracia, para que sea más representativa y sobre todo MÁS PARTICIPATIVA. El que tenemos ahora ya no nos sirve, puesto que se ha quedado tremendamente anticuado y desfasado con el discurrir del tiempo.

En la actualidad el poder ya no reside en el pueblo, reside en los mercados, instituciones que son cualquier cosa menos democráticas, y precisamente la única manera de arrebatarles el poder y que vuelva a residir en el pueblo es MÁS DEMOCRACIA, pero democracia efectiva. Democracia real. Será una tarea ardua, porque los actuales dueños del mundo no van a dejar que se lo arrebaten tan fácilmente, sin oponer resistencia. Ya hemos visto que el símbolo del capitalismo está muy bien dotado, mientras que a nuestra democracia, hablando en román paladino, le faltan huevos.

Al final todo se reduce a una simple cuestión de pelotas.

domingo, 23 de septiembre de 2012

AFORISMO XIII


- 'El honor no hay que ganarlo, basta con no perderlo'.

SCHOPENHAUER.

JOEY RAMONE BY TIM BURTON



Ilustración de Joey Ramone, vocalista del famoso grupo punk rock ``The Ramones´´, realizada por el director de cine Tim Burton. A aquellos que estén familiarizados con la obra de Burton no les extrañará su faceta como ilustrador, que ya desarrolló en el libro de poemas infantiles ``La melancólica muerte de Chico Ostra´´. Burton sabe captar muy bien en este dibujo la peculiar fisonomía de Joey, alto y desgarbado (rondando los 2 metros de altura) y de piernas extremadamente delgadas, además de ir siempre acompañado de su inseparable chaqueta de cuero y su inconfundible corte de pelo.

Los Ramones fueron el grupo pionero del punk en su vertiente norteamericana, junto con gente como Patti Smith, Johnny Thunders o Television. Como acompañamiento musical de la ilustración he escogido el tema ``I Wanna Be Sedated´´, perteneciente al cuarto álbum de la banda ``Road to Ruin´´ (1978), si bien el videoclip fue rodado 10 años después de su aparición, en 1988, con motivo del lanzamiento del disco recopilatorio ``Ramones Mania´´. Como curiosidad, fijaos en los tebeos que hojea Dee Dee Ramone en la mesa (``The Uncanny X-Men´´ de Claremont) o en el muñeco hinchable de Superman que aparece por la parte izquierda. Y es que los Ramones siempre fueron fans declarados de los tebeos de Marvel y DC. Y por cierto, una de los muchos figurantes que aparecen en el fondo del escenario es una joven Courtney Love, la mujer de Kurt Cobain, líder de Nirvana, antes de hacerse famosa. Concretamente aparece vestida de novia. ¡A ver si la identificáis!


jueves, 20 de septiembre de 2012

THE FLASH IS 'LOST'



Curioso homenaje el realizado por el dibujante Francis Manapul a una de las series de televisión más populares de los últimos tiempos, 'Perdidos' (Lost), en el número 12 de la serie del velocista escarlata publicado el pasado mes de Agosto. En un par de viñetas de la página 8 pueden verse, camuflados entre el público asistente a la inauguración del monorraíl, los rostros de los personajes de Juliet, Charlie, Charlotte, Michael, Walt y John Locke, y en otra viñeta de la página 11 el de Hugo, antes del ataque de la villana Glider.






Bueno, al menos después de este guiño ya sabemos que Manapul es bastante fan de la creación de J. J. Abrams, ¿no?

STAR WARS GIRLS:
SEXY CLONE TROOPERS





Las novias ideales para todo friki que se precie. ¡Ay, omá...!

martes, 18 de septiembre de 2012

CARY NORD ROCKS !



Magnífica ilustración de Conan realizada por Cary Nord como commission, titulada por el artista 'By This Ax I Rock!', en referencia al relato de Robert E. Howard (creador literario de Conan y el Rey Kull) 'By This Axe I Rule' y al hecho de que en el argot rockero se nombren a las guitarras como 'hachas'.

Para quien no lo sepa, Cary Nord fue el dibujante encargado de realizar, junto a Kurt Busiek, la mejor etapa de Conan el Bárbaro en cómic desde los lejanos tiempos de Roy Thomas y John Buscema. Una treintena de números publicados por la editorial Dark Horse hace un lustro que son de lectura obligatoria para cualquier fan del bárbaro cimmerio que se precie de serlo.

Y la verdad es que, observando la lámina con detenimiento, no he podido evitar pensar en qué grupo de rock o metal pesado podría encajar musicalmente un personaje como Conan en la actualidad. Evitando dar una respuesta demasiado obvia (sí, Manowar, ya lo sé), se me ha ocurrido que podría encajar perfectamente como miembro de Slayer. ¿Acaso hay algo más salvaje, brutal y retorcido en el mundo del thrash metal que un solo de guitarra de Kerry King o Jeff Hanneman? Son auténticos trallazos sónicos.

He escogido una versión en directo de uno de los clásicos de Slayer, 'Die by the Sword', interpretada en 2007 en el festival 'Rock Am Ring'. El título de la canción hace mención a un viejo proverbio anglosajón: 'He who lives by the sword shall die by the sword', traducido como 'Aquel que vive por la espada morirá por la espada'. En castellano se podría intercambiar por nuestro refrán 'Quien a hierro mata a hierro muere'.

Ya lo dice Tom Araya en la introducción que hace al público del tema: 'They say the pen is mightier than the sword. I say fuck the pen, then you can die by the sword!' 'Dicen que la pluma es más poderosa que la espada. Yo les digo que le den por culo a la pluma, vais a morir por la espada.' ¿Acaso hay mejor resumen de la filosofía vital del cimmerio que éste?



lunes, 17 de septiembre de 2012

QUÉ GRANDE ERES, WYOMING



Tras conocer los problemas de salud que impidieron a José Miguel Monzón llevar a cabo el concierto previsto para la noche del Sábado dentro del Festival Fenerrock del Ferrol, es el momento adecuado para dedicarle unas palabras de apoyo y ánimo, así como para recordar el discurso que Wyoming dió el pasado 22 de Junio en la localidad madrileña de Alcalá de Henares en el marco de la manifestación contra los recortes gubernamentales y en defensa del sector público.





Esta noche estaré viendo 'El Intermedio' con más interés que nunca.

domingo, 16 de septiembre de 2012

YODA SÍ QUE DIJO ESTA GRAN VERDAD



- 'EL MIEDO EL CAMINO AL LADO OSCURO ES'.


Viñeta de El Roto.

No debemos dejarnos manipular ni doblegarnos ante las presiones del Terrorismo Económico, sino luchar contra él.

Y no os perdáis esta interesantísima entrevista al economista Joseph Stiglitz que aparece publicada hoy en el diario El País.